ERIN-生如夏花般绚烂，死如秋叶之静美

        这样的日子的确离开我好久啦~从四月份开始就没有那么悠闲过~
        高祎琳小朋友过生日，中午么我就跑去蹭饭了~龙之梦楼上的申菜坊~听名字就知道是本帮菜~当然少不了红烧大肉~话说这家餐馆的味道还是不错滴，但是有几个大BUG。。。一是空调都没有，就搞几个电扇吹吹，二是。。。居然上错菜~~
         因为是上班时间，吃饭也不能吃很久，所以1点的时候大家就都要回去了~跟同事们告别后就直奔人民广场了。
         和老甲约好了去上海美术馆。其实从北京回来后就没有去过美术馆了。巧的是，那次在北京看完画展回来，我们到上海，那画展也跟到上海了~我还和老甲打趣的说，蛮好躲在装画的车里的~省了火车费啊~说不定还空运呢~！
          这次主要是去看“古典与唯美”那个展，主要是19世纪欧洲一些学院派，印象派和浪漫主义之类的画。在北京美术馆买的莫奈那幅《日出》的书签之后，就开始无限崇拜莫奈~现在是越看越爱~不过这次去看画展我又移情别恋了。开始喜欢描绘细致的画。那些画的细节让我瞠目结舌啊。不停的张大嘴巴感叹这TM是用笔画的啊~（粗糙了一记）。记得某幅画前老甲问我“这头发要用多细的笔？”我出于膜拜之情。。说“大概就一根毛的笔吧”=  =、其实还真的满汗颜的说，今天终于见到了什么叫“名画”。。。名画真的是要看真迹的呀~本来看完这个画展还意犹未尽，在美术馆的书店里有卖这次展览的书，印刷是精美，但之后还是放弃购买了，因为觉得比真迹逊色太多。看真画的时候有种成就感，因为那些一笔一划描绘的痕迹很清晰，但是印刷品就是薄薄一张纸。。。NO FEELING。。。NO PASSION...
            看完“古典与唯美”就顺大便去了三楼看“为了明天的记忆”，这个展实在是行为，不过相比楼下那个，这个现代了许多。最搞笑的是那些短片。和老甲仔细看了其中一个，是宝莱坞的小电影，里面无论音乐和舞蹈都是刻意搞笑的。不过还真的很好笑。最后的片尾曲用了好多中语言。。。但我只听懂一句意大利语。。ciao~= =还有个比较好玩的是一个艺术家在石板上作画，用H2O。用5个屏幕来展示的，一个画完了画另一个，然后干了再回来画，如此循环。。。不过没有耐心看完整个循环。。。其实最羡慕的是一组照片，是以为丈夫为他的妻子和妻子的三个姐妹拍的。每年都拍，四个人位置也一致，组成了一组记录岁月的影集。以前也有听说过有个父亲每天的同一时间同一地点在同一张椅子上为自己的儿子拍照，虽然觉得有些考验人的耐心，但这都是美好的记忆啊~也许也就艺术家有这份区别于常人的执着吧。
           离开美术馆的时候，才发现外面看起来并不大的美术馆，里面却那么的宽敞，可以让人足足兜一个下午。改天有时间还是想再去美术馆泡一天，感觉精神上的满足无法用言语表达啊~
           
           回家前还是拖老甲陪我逛了圈华盛街，收获颇丰。两个包包，三本本子，一个眼线液，还有两支自律乳液的小样。。。瞬间把闲钱都用了。。。接下去又要勒紧裤带过日子了。。。

接下去是PP欣赏。（美术馆不许拍照，所以。。。网上找了些这次画展中特别喜欢的。不过建议还是去美术馆看啦~绝对震撼。）


        

《埃拉加巴卢斯的玫瑰》，1888年
画布油画，132.70×214.40厘米
劳伦斯•阿尔玛－塔德玛
荷兰，1836―1912年
The roses of Heliogabalus，1888
Oil on canvas，132.70×214.40cm
Sir Lawrence Alma-Tadema
Holland，1836―1912

　　花卉是这位画家十分钟爱的主题。《埃拉加巴卢斯的玫瑰》充分印证了上述判断。这幅画是以罗马史上臭名昭著的皇帝埃拉加巴卢斯为依据创作的。埃拉加巴卢斯长相十分俊美，他原名瓦里乌斯•阿维图斯•巴西亚努斯，因崇拜非尼基性爱之神埃拉加巴卢而改用现名。

　　这幅画是画家的三幅杰作之一，是受当时英国著名土木工程师约翰•艾尔顿（1833―1911）的委托而作的。当时正值这位工程师负责将海德公园的水晶宫移至西德纳姆郊区，手中有钱，大量收购名画，为这幅画他就付出了4千古英镑。该画是阿尔玛－塔德玛的颠峰作品之一，1888年曾在英国皇家学院画廊展出，被《艺术日报》评为“画家阿尔玛－塔德玛的杰作”。画面被画家描绘得十分绚丽：花瓣、大理石、绸缎、薄纱、青铜器，花朵等等。清明亮丽的环境中，走动着绝色佳丽。而与这一切形成鲜明反差的是严酷的现实，但是，作者没有直接描述现实的丑恶，而是通过布景与色彩把它表现了出来。

　　阿尔玛－塔德玛描述了埃拉加巴卢斯的一个表面娱乐大众而实质十分诡异的主意：往出席皇帝晚餐的客人身上洒玫瑰花瓣。但是花瓣洒得如此之多，甚至把一些食客埋在底下喘不过气来。画家把皇帝安置在宝座上，观察着受苦的食客，旁边坐着皇帝的母亲和宠臣。在这幅画里，画家把人体和玫瑰花瓣溶为一体，把他的绘画技巧发挥到了极致。

这幅画我和老甲的反应都是。。这花瓣太猛烈了。。。- -颜色的变幻应该花了很多功夫的~而且去美术馆看，这副可是巨大的~没几年肯定画不好~~

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名称：《塞纳河畔，韦特伊附近》
作者：克洛德•莫奈（法国，1840-1926年）
类别：绘画
油画材质：画布油画
规格：60×80厘米

简介：

　　克劳德•莫奈是法国19世纪印象派的领军人物，正是他广为人知的《日出•印象》完成了对这一流派的命名。

　　1878至1881年间，克劳德•莫奈住在贝特维尔。这是一座位于巴黎和鲁昂之间的小城，莫奈的房屋正好在塞纳河边，周围是一片美景，为他捕捉一年四季的光线变化提供了绝妙的环境。画家在贝特维尔完成的对塞纳河的观察，说明他对研究同一物体在不同光照条件下产生的变化不定的效果怀有极大的兴趣，并且为他二十年后完成的《睡莲》系列大作打下了伏笔。此外，逐渐远离巴黎喧嚣的现代化生活，也让莫奈集中精力专心探究同一景色的各种变化。这种归隐的生活方式表明，莫奈对描绘一个地方的特殊自然环境的各种不同景象，怀有极其强烈的兴趣。 

莫奈~不用说啦，多光感的把握，绝对看到流口水啊~这幅画在馆内看的时候近看其实满杂乱的~不过这就是莫奈的风格嘛~印象派总不能细细描绘，这也是我当初喜欢莫奈的原因之一吧，当初还是喜欢色块的，色块变幻让人更惊叹吧。。。。


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《四重奏：一个画家对音乐艺术的赞颂》，1868年
画布油画，61×88.30厘米
阿尔伯特•约瑟夫•摩尔
英国，1841―1893年
A Quartet: A painter’s Tribute to the Art of Music，1868
Oil on canvas，61×88.30cm
Albert Joseph Moore
Britain，1841―1893

　　摩尔出生在约克郡一个著名的艺术家庭。父亲威廉•摩尔和哥哥亨利•摩尔（1831―1895，著名风景画家）引导他走上了艺术创作的道路。19世纪五十年代，他到了伦敦，先在肯辛顿艺术学校学习，后考入英国皇家学院，1860年前往巴黎和罗马深造。渐渐地，摩尔形成了着色轻柔，线条细腻的独特风格，在维多利亚时代的画家中也显得十分突出。他的大部分作品都是以古希腊和古罗马的休闲人物为主人公，人物形象明显受到希腊风格的影响。

　　《四重奏：一个画家对音乐艺术的赞颂》展示了19世纪六、七十年代摩尔艺术创作的多样性，充分表现了他在调理线条和色彩搭配上的巨大创造力。这幅作品在寻求音乐与美术之间的联想的同时，把沃尔特•佩特称之为“音乐的特性”的东西用绘画的方式表现了出来。画面上并没有明示出音乐家们与听众之间存在着什么联系，更看不出四位演奏家有什么特别之处。把现代乐器画进作品里，目的是为了避免观众“较真儿”，同时又把画家为了突出作品时代性的意图表现了出来。


这个 。。。这个。。。透明的衣服。。还有那么多摺。。。呼。。。

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名称：《克琳娜，达格尔的宁芙女神》
作者：弗雷德里克•莱顿（英国，1830-1896年）
类别：绘画
油画材质：画布油画》
规格：76.2×26.7厘米

简介：

　　出生在英国约克郡的弗雷德里克•莱顿从小在欧洲接受了正统的古典主义绘画传统训练，并曾经就读于欧洲几家著名的美术学院或机构。1852年，莱顿先后迁居罗马和巴黎，在此期间，他结识了许多画家，威廉•阿道夫•布格罗和亚历山大•卡巴内尔是其中的佼佼者，他们二人的作品在本次展览中也有收录。从他们身上，莱顿汲取了古典主义和学院派的美学观念。与此同时，莱顿一直在向英国皇家学院和伦敦的其它美术馆递交参展作品。油画《流放中的但丁》使他在英国名声大噪，并于1868年被选为英国皇家学院院士，十年后又被任命为学院院长。

　　在莱顿创作生涯的晚期，古希腊和罗马的神话成了莱顿经常使用的题材。身裹轻纱的裸体女性，以拟人化的方式追忆古典传统，给观众以丰富的想像空间，这些构成了莱顿这一时期作品的突出特点。1880年展出的这幅《克琳娜，达格尔的宁芙女神》就属于这一类型的作品。

　　“宁芙”是古希腊神话中居住在山林、原野、泉水、大海等地的自然界精灵，莱顿画中的这个宁芙是个泉水仙子，她以一个身着宽大长袍的女子形象出现，背对着瀑布站在一个沙堆上。画家借此向人们传递出水的多样的形态，无论是湍急的河流还是飞溅的水花，以及表面平静而深不可测的暗流，它们都代表了水的天性。这幅画是画家1895年创作的最后一幅杰作、现存波多黎各蓬塞博物馆的《六月煌煌》的姊妹篇，因此十分珍贵。 

这幅画并没不是我特别喜欢的类型，不过作为画展的主打。。。我想还是有必要上传一下的。

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名称：《海边捡拾鹅卵石的希腊女孩》
作者：弗雷德里克•莱顿（英国，1830-1896年）
类别：绘画
油画材质：画布油画
规格：84×129.5厘米

简介：

　　这同样是一幅莱顿的作品。《海边捡拾鹅卵石的希腊女孩》呈现给观众的是以希腊神话人物造型为基础的戏剧性场面，作者采用一种舞台布景的手段，突出了人物的形象，意在让观众产生最深刻的印象。1871年，这幅画第一次在英国皇家学院画廊展出，意味着莱顿朝着开创古典题材的创作道路迈出了第一步，同时也是对这位画家解决构图比例的高超技艺的一次总结。画中四个女人的位置平衡、匀称，从中可以看出，作者力图创造出一套个人独有的透视法，让画中人物的不同比例变得一目了然。画中的四位女性都被抹上了反映心理特点的光泽，赋予人物形象某种神圣感，这正好让人看到了画家对于抽象地运用形式与色彩的兴趣。莱顿正是利用这两种手段创造了绘画的和谐构图，并用色彩突出人物的个性。

　　拉斐尔前派艺术史专家和评论家弗雷德里克•乔治•史蒂芬在1871年的画展上指出：“莱顿先生从来没有像现在这样对自己的选题感到如此得意，因为就这个题目本身而言，它不具备任何象征性的意义。但是，经他的手这么一画，就变成了一幅令人赏心悦目的人物画，画面美，画中婀娜女性的色彩也美，她们的衣服在风中像是一直在飘动。”

美啊~~无法言语了~


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名称：《农妇》
作者：威廉•阿道夫•布格罗（法国）
类别：绘画，
油画材质：画布油画
规格：179.1×115.9厘米

简介：

　　威廉•阿道夫•布格罗是19世纪末20世纪初艺术界最具影响力的人物之一。他的作品在巴黎的几大沙龙中展出，并多次获奖，这不仅提高了他的艺术声望，还为他带来了丰厚的经济利益，并成为拿破仑三世及其皇后欧仁妮的御用画师。

　　布格罗接受了严格的学院派古典主义教育，并自然而然地转化成个人的创作风格。他在罗马画院学习绘画期间，得以看到意大利的古典精品，并了解了文艺复兴时期的美术作品，而这正是他多年来一直渴望看到的。布格罗艺术道路的一个重要方面，就是在作品中努力将熟记于心的古典绘画规范和透视学与自己的实地观察完美地结合在一起。他善于抓住日常生活及戏剧的场景，塑造不失尊严的普通民众形象，表现了他对社会现实的关注和内心的不安。1871年普法战争和巴黎公社给社会带来的战乱以及法国人高涨的爱国热情，让布格罗感同身受，并通过《农妇》这样的作品把它展示出来。

　　在这幅画中，布格罗旨在创造一个动乱年代中法国人抵御外来入侵的形象，为此他选择了手持大镰刀收获庄稼的农妇，她昂然挺立，充满豪气，代表了法国人民的崇高和坚强。农妇的形象生动地表现了法国人民的爱国情操，以及这个民族绝不屈服于敌人的坚定决心。

　　此外，这幅画也展现出布格罗的艺术主张：即艺术作品要歌颂劳苦大众，既表现他们的高傲与尊严，又让人们看到他们内心的纯净美。这一主张也符合巴黎美术学院的教学宗旨之一，即让学生学到表现主题的恰当方式。因为这个时期的绘画是教育民众的手段，主题的历史背景及神话传说应当为寻求理想和真理服务。 

这幅画在馆内看也实在是大~我仰视下，不禁有种崇拜之情啊~这时期的画已经描绘出了一副独立的现代女性的美了~赞一下

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名称：《古典美》
作者：约翰•威廉•格威德（英国）
类别：绘画
油画材质：画布油画
规格：40.6×30.5厘米

简介：

　　约翰•威廉•格威德是一位擅长描绘身处古代大理石环境中、穿着古典服装的女性形象的画家，他的作品可以被看作是展示古典美的艺术长廊。这些独自依靠在大理石旁的黑发女郎，像是以某种方式反映出画家本人的梦想和思绪，源自古希腊的学院派画风及细腻的绘画手法，让人想起让格威德推崇备至的英国画家弗雷德里克•莱顿。

　　这幅名为《古典美》的作品曾经收录在格威德的主要传记作家史璜生的画册中。少女凝脂般的肌肤透过薄如蝉翼的服饰呈现出来，而画家有意将人物安排为一种仰视的观察角度，给人以纪念碑般的高贵之感。

　　格威德是英国艺术史中最神秘的人物之一。现在的世界艺术史专家们正在整理这位艺术家的生平事迹及艺术成就，但格威德的家人却因为他后来令人伤心的自杀身亡的结局而希望把他忘得一干二净。正如史璜生在他的《古典主义的缺失》一书中所说：格威德作品中的沉静之美和令人惊诧的技术处理与这位重量级的艺术家在文艺批评界所受到的推崇和在艺术史上的被认可程度是一致的

传说中的女神么？古典！美~开始喜欢这个约翰•威廉•格威德~传说中最会画古典服装的。。。

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名称：《无言的歌》
作者：约翰•梅尔休伊什•斯特拉德威克（英国，1849-1937年）
类别：绘画
油画材质：画布油画
规格：74.5×99.5厘米

简介：

　　 1877年，当拉斐尔前派第二批的重要成员之一伯恩•琼斯在格罗夫纳画廊成功参展、并一举成名之后，周围立即聚集了一批青年画家，其中就有约翰•梅尔休伊什•斯特拉德威克。当时，这位年青艺术家的创作就以《圣经》及文学、神话传说题材为主，带有明显的复古倾向。

　　斯特拉德威克的创作生涯，开始于广泛吸纳无名画家的“达德利”画廊。《无言的歌》是1876年斯特拉德威克唯一一幅获准在英国皇家学院画廊参展的作品。该画售出后，他得以购置了一间画室，并开始了独立画家生涯。这件事，在当时的英国艺术界曾引起轰动。乔治•肖伯纳回忆说，斯特拉德威克是几经努力才将《无言的歌》放进皇家学院画廊的，不过参展之后，就获得巨大成功。 　　

　　《无言的歌》画的是位目光传递爱意的窈窕女性，而周围的鸟鸣声又似乎揭示了她的某种思乡之情。

这张之所以传上来是因为老甲说这画中的女子长的很像我女人。。LILY~~


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名称：《瓦实提》
作者：埃德温•朗（英国）
类别：绘画
油画材质：画布油画
规格：213.4×166.4厘米

简介：

　　埃德温•朗作品的主要收藏家是英国人莫顿•拉塞尔•科茨。在以此人名字命名的博物馆里，曾经收藏过这幅名画。

　　朗的创作属于典型的东方主义流派。他走上这条创作道路是开始于他的老师约翰•菲力普斯劝他完成的西班牙、埃及和叙利亚的旅行。1874年，他访问了耶路撒冷，并以《圣经》为题材，创作了大量的作品，其中包括他的成名之作：《市场里的巴比伦婚礼》。1875年，这幅画在英国皇家学院画廊展出时，大获成功。1882年，该画在克里斯蒂拍卖行以七千古英镑售出，让画家过上了衣食无忧的日子。

　　和我们随后会欣赏到的荷兰画家阿尔玛-塔德玛的作品一样，朗在作品中也特别注重画面的布景及装饰物的准确性。在他创作的大量以《圣经》为题材的油画中，《瓦实提》是其中著名的一幅。这个故事记述在《旧约•以斯帖记》中，讲的是波斯国王亚哈随鲁在宴会席间，命人召见王后瓦实提，以供宾客欣赏她的美貌。但王后拒绝了国王的无理要求，这使国王觉得有损了自己的尊严，甚至会有可能形成妻子不尊重丈夫的社会风气，从而种下家庭矛盾的祸根。因此，事后国王废掉了王后，并写入波斯律法，代表永不反悔。

　　这幅作品的背景是一座波斯式的大殿，画家精心绘制了其中的铭文和浮雕。王后充满异国情调的美貌、华美的服饰及珠宝，与她哀伤而失望的表情形成了鲜明的对照。作品具有强烈的象征性含义，因为当时英国普通民众的生活也和王后所面临的一样，是异常困窘的。

这张画前我驻足很久。。。无论是人物还是背景都画的很极致。。。。

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名称：《克娄巴特拉用死囚尝毒》
作者：亚历山大•卡巴内尔（法国）
类别：绘画
油画材质：画布油画
规格：87.6×148厘米

简介：

　　作为拿破仑三世的宫廷御用画家，亚历山大•卡巴内尔在《克娄巴特拉用死囚尝毒》这幅画中，成功地展示了他的美学理念。

　　19世纪上半叶，一门新兴的学问“埃及学”逐渐激发起欧洲人对这个国家的历史文化、尤其是埃及艳后克娄巴特拉的生平的兴趣，当时的画家们争相表现有关埃及的题材。卡巴内尔的这幅画取材于希腊学者、传记作家普卢塔克的著作《安东尼的一生》。讲的是亚克兴角战役之后，被屋大维打败的埃及艳后克娄巴特拉感到末日临近，决定自杀。为此，她下令让几个奴隶体尝不同的毒药，以便为自己选择痛苦最小的一种。卡巴内尔的画笔准确地抓住了人物的表情：克娄巴特拉的人格魅力没有一丝一毫的流失，她斜倚在兽皮铺就的长椅上，身边伴有一只豹子和一个摇扇的侍女，姿态闲适地观察着每个奴隶死亡时的表情。画面以外表的华丽与暗含着的死亡恐惧形成一种对峙的张力，这一点，也许会让人联想到法国浪漫主义先锋德拉克洛瓦的代表作《萨达那巴尔之死》，而与《萨达那巴尔之死》用跃动的笔触展现临死前的不安不同，这幅画则是用细腻的手法营造出一种表面的平静。

　　这幅作品于1887年在巴黎沙龙画廊展出，并于同年赠于比利时安特卫普艺术博物馆。该画还曾保存在法国的贝济耶美术馆。

传说中的埃及艳后啊~原来19世纪大家是这样想象的~~画的色彩方面都不亚于今天的照片。鲜亮啊~惊叹啊~~
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总之画展之后我心中就无数个惊叹了~~！！！！！哦~我心中的惊叹号们！！！！！！！！